Gani Choi Rip’s Philosophy of Calligraphy and Painting Connoisseurship: Korean Art Criticism and Its Significance in the Age of Generative AI / 간이 최립의 서화감평 철학: 한국 미술비평과 생성형 인공지능 시대의 의미

Gani Choi Rip’s Philosophy of Calligraphy and Painting Connoisseurship: Korean Art Criticism and Its Significance in the Age of Generative AI

Abstract

Gani Choi Rip (崔岦, 1539–1612), one of the major literary intellectuals of the mid-to-late Joseon Dynasty, has generally been studied as a writer, diplomat, classical prose stylist, and scholar rather than as an important participant in the history of Korean art criticism. Yet his collected works, Gani-jip (簡易集), contain a substantial body of writings on calligraphy, painting, illustrated albums, commemorative pictures, and the preservation and interpretation of visual objects. These writings reveal a sophisticated mode of connoisseurship that cannot be reduced to judgments of technical skill. Choi Rip repeatedly connected calligraphic form with the moral and intellectual character of the writer; interpreted painting through poetry, memory, and lived experience; distinguished visual resemblance from artistic value; examined provenance and attribution cautiously; and understood artworks as repositories of personal, historical, and cultural memory.

This article reconstructs five distinctive principles of Choi Rip’s art connoisseurship: (1) reading character through calligraphy, (2) interpreting painting as a dialogue between image and poetry, (3) distinguishing formal resemblance from artistic vitality, (4) evaluating provenance and authenticity through critical comparison, and (5) reading artworks as vessels of memory and historical experience. It then identifies five broader contributions to the history of Korean art appreciation: the integration of moral cultivation and visual judgment, the strengthening of the scholar’s role as connoisseur and interpreter, the interaction of calligraphy, poetry, and painting, the development of historically conscious attribution, and the preservation of artworks as cultural memory. Finally, the article compares Choi Rip’s philosophy with contemporary debates concerning generative artificial intelligence (GenAI), creativity, authorship, authenticity, and human agency. Recent research shows that GenAI can increase artistic productivity and expand exploration while simultaneously raising concerns about declining average novelty, authenticity, agency, and authorship. Choi Rip’s philosophy therefore offers a useful humanistic framework for AI-era art criticism: evaluate not merely what an image looks like, but who shaped it, why it was made, what cultural memory it carries, and what kind of human judgment gives it meaning.

Keywords: Choi Rip; Gani-jip; Joseon Dynasty; Korean art history; calligraphy; literati painting; art connoisseurship; authenticity; generative AI; human-AI creativity

1. Introduction: Rediscovering an Art Critic Hidden Inside a Literary Scholar

The history of Korean art criticism is often narrated through painters, collectors, theorists, albums, painting manuals, and later literati masters. Yet the history of connoisseurship also resides in a less obvious body of sources: the writings of literary scholars who encountered paintings and calligraphy as part of everyday intellectual life. Gani Choi Rip belongs to this category. Although he was not a professional painter, his Gani-jip preserves numerous texts written in response to calligraphic works, landscape paintings, bamboo paintings, commemorative albums, and ancient paintings. The surviving collection was first printed in 1631 and consists of nine volumes; the modern Han’guk Munjip Ch’onggan edition derives from that early textual tradition (Choi, 1996). (MK Study)

This evidence requires a reconsideration of Choi Rip’s place in Korean cultural history. The appropriate question is not whether he should be labeled a “professional art theorist.” He should not. Rather, the more productive question is: What principles of visual judgment emerge when his writings on calligraphy and painting are read together?

This distinction is important because Joseon visual culture was deeply embedded in literary culture. Scholar-officials could function simultaneously as writers, collectors, patrons, calligraphers, viewers, and interpreters. Modern scholarship has demonstrated that Joseon literati played significant roles in the production, collection, and patronage of painting, while the conceptual boundaries of “literati painting” itself developed historically rather than appearing as a fully formed category from the beginning (Park, 2018; Yungman, 2012). (KCI)

Choi Rip’s writings therefore provide an especially valuable window into how a sixteenth- and early seventeenth-century Korean intellectual actually looked at visual objects. His criticism is not organized as a formal treatise. It is embedded in inscriptions, notes, prefaces, and poetic responses. Precisely because of this, his writings reveal connoisseurship as a practice of attentive reading rather than merely a theoretical system.

2. Historical and Intellectual Context

Choi Rip lived through one of the most turbulent periods in Korean history. Born in 1539 and dying in 1612, he experienced the intellectual transformations of the late sixteenth century, the Imjin War, and the political and cultural reconstruction that followed it. He was renowned for literary composition and served the state in positions requiring sophisticated documentary and diplomatic writing. His literary reputation has consequently tended to overshadow his engagement with visual culture. (한국민족문화대백과사전)

The intellectual environment in which Choi Rip operated was characterized by an intimate relationship among literature, calligraphy, painting, historical learning, and moral cultivation. In East Asian literati culture, visual art was rarely isolated from textual culture. A painting might contain an inscription; a poem might respond to a landscape; calligraphy could function as an expression of the writer’s mind; and an album could become a repository of relationships among scholars.

Joseon intellectuals also inherited Chinese traditions of art criticism, including the emphasis on spirit resonance, brushwork, learning, personality, historical lineage, and the relationship between painting and poetry. Yet these concepts were not simply imported unchanged. Korean scholars interpreted them through their own social, ethical, and literary circumstances. Research on Joseon literati painting emphasizes that the category of “literati painting” itself has a complex historical genealogy and that the terminology and conceptual framework changed over time (Park, 2018). (KCI)

Choi Rip’s writings belong to this transitional intellectual environment. They are particularly valuable because they show an active viewer thinking through artworks rather than merely reproducing a fixed theoretical vocabulary.

3. Five Distinctive Principles of Choi Rip’s Art Connoisseurship

3.1 Reading Character Through Calligraphy

Perhaps the clearest statement of Choi Rip’s aesthetic philosophy appears in his “A Note on a Small Folding Screen of Toegye’s Calligraphy” (退溪書小屛識).

Writing about calligraphy by the celebrated scholar Yi Hwang (Toegye), Choi Rip states that calligraphy is “heart-painting” (心畫): the visible form of writing allows the viewer to imagine the person who produced it. He then examines Toegye’s script, emphasizing its dignity, strength, discipline, and consistency even when written in cursive form (Choi, 1996, Vol. 3). (Wikisource)

This passage provides a fundamental principle of Choi Rip’s connoisseurship:

The visual form of calligraphy is evidence of the cultivated mind behind it.

This does not mean that Choi Rip mechanically assumed that beautiful handwriting always indicates moral virtue. Rather, he reads formal characteristics—regularity, restraint, strength, and disciplined movement—as traces of sustained self-cultivation. The artwork becomes a record of character.

This approach is particularly significant because it expands calligraphic criticism beyond questions of handwriting technique. Line quality is not merely a formal property; it becomes evidence of intellectual and ethical formation.

In contemporary terms, Choi Rip’s method resembles a form of embodied aesthetic interpretation. The brush records physical movement, but physical movement is shaped by habit, training, intention, temperament, and discipline. His criticism therefore moves from visible form to invisible character.

3.2 Painting as a Dialogue Between Image and Poetry

A second distinctive principle appears in Choi Rip’s “A Note on Yi Eokye’s Inscribed Landscape Painting” (李鵝溪題詩山水圖識).

Here he offers a striking formulation:

“Painting is a silent poem; poetry is a painting with sound.”

(Choi, 1996, Vol. 3).

For Choi Rip, painting and poetry are not competing forms. They complete one another. A landscape can communicate visually what poetry communicates verbally, while poetry can articulate what the visual image evokes but cannot literally say. (Wikisource)

This principle is important for understanding Korean literati culture. The painting is not simply an image of mountains and rivers. It is an intellectual space in which landscape, memory, emotion, poetry, and moral reflection converge.

Choi Rip’s approach therefore represents a multimodal theory of appreciation centuries before the term “multimodal” became common. He does not isolate the visual object from the literary ecosystem surrounding it.

This perspective also anticipates a major challenge in contemporary digital art. AI-generated images are frequently evaluated as isolated visual outputs, while the prompt, conversation, editing process, training data, cultural references, and human intention remain invisible. Choi Rip’s approach reminds us that the image alone may never constitute the complete artwork.

3.3 Distinguishing Formal Resemblance from Artistic Vitality

Choi Rip’s writings also demonstrate a sophisticated distinction between merely resembling something and successfully conveying its essence.

In his note on a landscape painting owned by Lord Geumgye, he describes the pleasure of mountains and water as something deeply rooted in human experience. He observes that people are repeatedly attracted to particular landscape forms and that paintings can preserve an experience that cannot always be physically entered or possessed (Choi, 1996, Vol. 3). (Wikisource)

This suggests a third principle:

A successful artwork does not simply reproduce an object; it reconstructs an experience.

Choi Rip’s criticism consequently moves beyond literal representation. A landscape painting becomes successful when the viewer can recover something of the experience, mood, memory, or spiritual resonance associated with landscape.

This distinction is especially relevant to generative AI. Contemporary image generators can produce technically convincing landscapes within seconds. But technical resemblance and experiential meaning are not identical. The most visually accurate mountain image may not communicate the memory of a particular mountain, the experience of exile, the emotional significance of home, or the cultural meaning of a landscape.

Choi Rip therefore offers a useful criterion for evaluating AI art: Does the work merely look convincing, or does it communicate a meaningful human experience?

3.4 Critical Attribution: Authenticity Requires Comparison and Doubt

Perhaps the most surprisingly modern aspect of Choi Rip’s connoisseurship appears in his “A Note on an Ancient Painting Owned by Yi So-yun” (李少尹所有古畫識).

The painting had been acquired after the devastation of war. Its owner suspected that it might have been painted by An Gyeon, one of Korea’s most celebrated early painters. Choi Rip does not simply accept this attribution. He acknowledges that he is not an expert painter, but he explains that he had seen authentic works associated with An Gyeon and that certain details seemed consistent with that hand. At the same time, he examines the painting’s deterioration, provenance, stylistic features, clothing, landscape structures, and possible historical chronology. He explicitly expresses uncertainty concerning some aspects of the attribution (Choi, 1996, Vol. 3). (Wikisource)

This is an important example of critical connoisseurship.

Choi Rip does not treat attribution as an act of intuition alone. He compares:

• stylistic characteristics,

• historical chronology,

• material condition,

• provenance,

• iconographic details,

• and regional conventions.

His willingness to acknowledge uncertainty is equally important.

In other words, expertise does not mean claiming certainty where evidence is incomplete. A trustworthy connoisseur knows the difference between observation, inference, and speculation.

This principle has direct relevance to AI-based art authentication. Modern computer vision can compare brush patterns, composition, pigments, signatures, and stylistic features at extraordinary scale. Yet algorithmic confidence is not equivalent to historical truth. Provenance, material evidence, restoration history, and contextual knowledge remain essential.

Choi Rip’s skeptical method therefore provides an early humanistic model of evidence-based authentication.

3.5 Artworks as Vessels of Memory and Historical Experience

A fifth principle is visible throughout Choi Rip’s writings on paintings and illustrated albums: artworks preserve relationships and memories.

His note on Ha Dae-i’s bamboo painting begins with admiration for the deceased artist’s natural talent. Yet the passage quickly becomes an elegy. The painting has acquired significance because its creator is gone. The object becomes a material trace of a human relationship and a lost world (Choi, 1996, Vol. 3). (Wikisource)

Similarly, Choi Rip’s writing about commemorative albums and paintings repeatedly emphasizes the value of preserving visual records of people and events. In one passage he observes that without paintings, people separated by time could no longer confront one another visually; painting allows past faces and relationships to remain present.

This leads to a fifth principle:

The value of art increases when it preserves human memory across time.

The artwork is therefore not merely an aesthetic commodity. It is a form of cultural memory.

This principle is especially important in the digital age, when images can be generated infinitely but may also become infinitely disposable. Choi Rip reminds us that cultural value is partly determined by what an object enables later generations to remember.

4. Five Contributions to the History of Korean Art Appreciation

4.1 Integrating Moral Cultivation and Visual Judgment

Choi Rip’s interpretation of Toegye’s calligraphy demonstrates a distinctive Joseon tendency to connect artistic form with intellectual and moral cultivation. His approach reinforces a broader literati culture in which calligraphy was not simply handwriting but a visible manifestation of cultivated character.

This should not be interpreted as a uniquely Choi Rip invention. Rather, his contribution lies in providing a particularly clear example of how this principle operated in actual acts of appreciation.

4.2 Strengthening the Role of the Scholar as Connoisseur

Choi Rip demonstrates that meaningful art criticism did not require professional artistic production. A learned scholar could evaluate paintings through literature, history, ethics, memory, and visual observation.

This is significant for Korean art history because Joseon painting culture depended heavily upon networks of scholar-viewers, collectors, patrons, and writers. Research on early Joseon literati painting confirms the importance of collecting and writing as components of art culture (Yungman, 2012). (KCI)

4.3 Reinforcing the Unity of Poetry, Calligraphy, and Painting

Choi Rip’s “silent poem” formulation captures the integrated aesthetic characteristic of East Asian literati culture. Painting, poetry, and calligraphy could operate as mutually reinforcing forms of expression.

His writings therefore provide valuable evidence for studying the intellectual environment from which later Korean literati painting developed.

4.4 Introducing Historical Consciousness Into Connoisseurship

His discussion of ancient painting demonstrates that attribution requires historical reasoning. The viewer must ask when a work could have been produced, what visual conventions belong to a particular period, and whether the material evidence is compatible with the proposed attribution.

This historical consciousness is particularly valuable because later Joseon art theory increasingly developed sophisticated distinctions among different modes and lineages of painting. Modern scholarship has shown that Joseon literati gradually developed more differentiated conceptions of painting, including distinctions associated with literati and court painting (Jang, 2014). (KCI)

4.5 Preserving Art as Cultural Memory

Finally, Choi Rip’s inscriptions demonstrate that writing about art could itself become part of the preservation process. An artwork accompanied by an inscription was transformed into a richer cultural artifact containing visual, literary, biographical, and historical information.

This principle is particularly important today. Digital reproduction can preserve an image while simultaneously detaching it from provenance and context. Choi Rip’s model suggests that preservation should include not merely pixels but metadata, biography, provenance, interpretation, and cultural context.

5. Choi Rip and the Problem of Creativity in the AI Era

The emergence of generative AI has transformed the meaning of artistic production. Text-to-image systems can now generate visually sophisticated works from natural-language prompts. Research based on millions of artworks has found that generative AI can increase human creative productivity and expand the exploration of possible ideas, while average novelty can decline as creators increasingly converge around similar visual patterns (Zhou & Lee, 2024). (OUP Academic)

This produces a paradox.

AI can make more images than any previous technology, but abundance does not automatically produce cultural significance.

Choi Rip’s philosophy offers a useful response. He encourages us to distinguish production from meaning.

A machine can produce an image.

A human must still decide:

• Why this image?

• Why this subject?

• Why this style?

• What experience does it represent?

• What tradition does it engage?

• What does it remember?

• What should be preserved?

• What should be rejected?

Recent scholarship similarly emphasizes the continuing importance of human agency in AI-supported creativity. Research on human-AI co-creativity argues for moving beyond a simple “AI versus human” model toward a collaborative framework in which human judgment and machine generation interact (Medeiros & Cropley, 2025). (DOI)

Thus, Choi Rip’s connoisseurship can be transformed into a model for AI-era critical judgment.

6. From Human Connoisseurship to AI-Augmented Connoisseurship

AI can potentially improve art criticism in four major ways.

First, it can conduct large-scale visual comparison. An AI system can compare thousands of works against a candidate painting far faster than a human scholar.

Second, AI can assist provenance research by connecting names, dates, collections, auction records, inscriptions, and digitized manuscripts.

Third, multimodal AI can connect image and text, enabling simultaneous analysis of paintings, inscriptions, poems, biographies, and historical documents.

Fourth, AI can identify patterns that humans might overlook.

Yet Choi Rip’s philosophy suggests that AI should function primarily as an assistant to judgment, not as the final judge.

This is consistent with recent research emphasizing human agency in generative-AI systems. Human-complementary approaches can enhance creativity and innovation, but human agency remains central to determining how AI benefits are interpreted and distributed (Baptista et al., 2025). (ScienceDirect)

The ideal future connoisseur may therefore be neither purely human nor purely algorithmic.

It may be AI-augmented human connoisseurship.

The machine supplies scale.

The scholar supplies context.

The algorithm identifies patterns.

The historian evaluates evidence.

The AI generates possibilities.

The human decides which possibilities deserve cultural meaning.

7. Authenticity: Choi Rip’s Most Important Lesson for Generative AI

Perhaps the strongest connection between Choi Rip and contemporary AI art concerns authenticity.

Research on AI-assisted visual art suggests that audiences may perceive AI-generated or AI-assisted works as innovative while simultaneously judging them less authentic or less labor-intensive, with perceived authenticity influencing valuation (Co-creating Art with Generative Artificial Intelligence, 2024). (ScienceDirect)

This tension is remarkably close to the problem implicit in Choi Rip’s criticism.

For him, a work’s value cannot be reduced to surface appearance. The history behind the object matters.

Who made it?

Under what circumstances?

How was it transmitted?

Who preserved it?

What does it reveal about its creator?

The same questions should be asked of AI-generated art.

A future museum label may need to disclose:

Human creator → Concept → Prompt → Model → Training context → Selection → Editing → Final work → Provenance.

Such transparency would transform AI art from an opaque output into a documented creative process.

This is where Choi Rip’s philosophy becomes more than historical curiosity. It becomes a possible foundation for AI art provenance ethics.

8. Toward a Choi Rip Humanistic Framework for AI Art

Based on the five principles reconstructed above, a Choi Rip-inspired framework for AI-era art criticism can be expressed through five questions.

Character

Who is the human agent behind the work, and what values or intentions shape the creation?

Vitality

Does the work communicate something beyond technical correctness and visual novelty?

Context

What cultural, historical, literary, and artistic traditions does the work engage?

Evidence

Can its provenance, authorship, production process, and claims of originality be independently examined?

Memory

What human experience, relationship, event, or cultural meaning does the work preserve?

This framework does not reject AI.

On the contrary, it welcomes AI while refusing to confuse computational capability with cultural judgment.

Recent studies indicate that human-AI co-creation can expand artistic possibilities, but questions of agency and authorship become increasingly complex as AI becomes more deeply embedded in the creative process (Bomba & De Angeli, 2025; Rafner et al., 2025). (ScienceDirect)

A Choi Rip framework therefore places human interpretation at the center of technological augmentation.

9. Conclusion: From the Brush to the Algorithm

Gani Choi Rip’s writings on calligraphy and painting reveal an intellectual tradition considerably richer than a simple appreciation of beautiful objects. His connoisseurship was a form of cultural interpretation.

He looked at calligraphy and saw character.

He looked at painting and heard poetry.

He looked at landscape and recovered experience.

He looked at an ancient painting and questioned attribution.

He looked at a preserved image and remembered the person who was gone.

These five practices constitute a coherent philosophy of art appreciation: character, dialogue, experience, evidence, and memory.

Choi Rip should not therefore be presented as the sole founder of Korean art criticism or as a systematic art theorist in the modern sense. His importance is subtler and, in many respects, more interesting. His scattered writings demonstrate how an accomplished Joseon intellectual practiced connoisseurship at the intersection of literature, ethics, history, friendship, memory, and visual perception.

That insight becomes especially powerful in the age of generative AI.

AI can now generate thousands of images in the time required for a human artist to sketch one. It can imitate styles, reconstruct historical appearances, produce landscapes, and create calligraphic simulations. It can also assist scholars in comparing enormous collections of visual material.

But abundance creates a new problem.

When images become almost free, meaning becomes scarce.

When imitation becomes effortless, authenticity becomes difficult to establish.

When generation becomes automatic, human judgment becomes more—not less—important.

Choi Rip’s philosophy offers an answer to this problem. The future of art should not be evaluated solely by asking whether an image is beautiful, realistic, innovative, or technically sophisticated. We must also ask whether it expresses meaningful human intention, whether its provenance is credible, whether its cultural context is understood, whether its creative process is transparent, and whether it contributes something worth remembering.

Recent research supports the idea that the most productive relationship between AI and creativity may be collaborative rather than substitutive. GenAI can increase productivity and expand the space of possible ideas, but human ideation, selection, interpretation, and agency remain decisive (Zhou & Lee, 2024; Medeiros & Cropley, 2025). (OUP Academic)

The lesson of Choi Rip can therefore be reformulated for the twenty-first century:

The algorithm may generate the image, but the human being must still determine what the image means.

The brush has become an algorithm.

The studio has become a human-AI interface.

The album has become a digital archive.

Yet the fundamental question remains unchanged:

What does this work tell us about the human being who created, selected, preserved, and interpreted it?

In that sense, Choi Rip’s philosophy has not become obsolete.

It has become newly necessary.

References

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Publication note: The strongest primary-source basis for the paper is Choi Rip’s Gani-jip, especially Volume 3. The text explicitly contains the calligraphy, landscape, bamboo, landscape-collection, scattered-painting, and ancient-painting notes used above. (Wikisource) The paper’s central interpretive contribution is therefore not the unsupported claim that Choi Rip was a formal “art theorist,” but the more defensible argument that his dispersed writings constitute an identifiable method of Joseon-period visual connoisseurship. Recent scholarship on Joseon literati painting and GenAI creativity provides the historical and contemporary framework for that argument. (KCI)

간이 최립의 서화감평 철학: 한국 미술비평과 생성형 인공지능 시대의 의미

초록

간이 최립(崔岦, 1539–1612)은 조선 중·후기의 대표적인 문인 지식인으로서 문장가, 외교가, 학자, 교육자로 주로 연구되어 왔다. 그러나 그의 문집인 『간이집(簡易集)』에는 서예와 회화, 화첩, 기념화, 고화(古畫), 서화의 보존과 해석 등에 관한 상당한 분량의 글이 수록되어 있다. 이러한 글들은 최립의 서화감평이 단순히 기술적 완성도나 외형적 아름다움을 평가하는 데 머물지 않았음을 보여준다. 그는 서예의 형식을 서자의 인격과 학문적 수양과 연결하고, 회화를 시·기억·삶의 경험과의 대화로 해석했으며, 단순한 형태적 유사성과 예술적 생명력을 구별하고, 작품의 전승과 작가 귀속을 신중하게 검토하였다. 또한 서화를 개인적·역사적·문화적 기억을 보존하는 매체로 이해하였다.

본 논문은 최립의 서화 관련 글을 종합하여 그의 서화감평에 나타나는 다섯 가지 특징을 재구성한다. 첫째, 서예를 통해 작가의 인격을 읽는 방법, 둘째, 회화를 이미지와 시의 대화로 이해하는 방법, 셋째, 형태적 유사성과 예술적 생명력을 구별하는 방법, 넷째, 비교와 의심을 통해 진위와 작가 귀속을 검토하는 방법, 다섯째, 서화를 기억과 역사적 경험을 담는 그릇으로 이해하는 방법이다. 이어서 이러한 감평 방식이 한국 미술사에서 갖는 다섯 가지 의의를 검토한다. 즉, 도덕적 수양과 시각적 판단의 결합, 문인 지식인의 감식가적 역할 강화, 시·서·화의 통합, 역사적 의식을 갖춘 고증적 감평, 그리고 서화를 문화적 기억으로 보존하는 전통의 강화이다.

마지막으로 본 논문은 최립의 서화감평 철학을 생성형 인공지능(Generative AI)의 창의성·저작권·진정성·인간 주체성에 관한 최근 논의와 연결한다. 최근 연구는 생성형 AI가 인간의 창작 생산성과 아이디어 탐색의 범위를 확대할 수 있는 반면, 평균적 참신성, 진정성, 창작 주체성 및 저자성에 새로운 문제를 제기한다고 지적한다. 따라서 최립의 서화감평 철학은 AI 시대의 인간 중심 미학을 위한 유용한 틀을 제공한다. AI 시대의 미술감상은 단순히 “이 이미지가 어떻게 보이는가?”만을 묻는 것이 아니라, “누가 만들었는가, 왜 만들었는가, 어떤 문화적 기억을 담고 있는가, 그리고 어떤 인간적 판단이 그것에 의미를 부여하는가?”를 함께 물어야 한다.

주제어: 최립, 『간이집』, 조선시대, 한국 미술사, 서예, 문인화, 서화감평, 진정성, 생성형 인공지능, 인간-AI 창의성

1. 문인학자 속에 숨겨진 미술감식가의 발견

한국 미술비평의 역사는 일반적으로 화가, 화론가, 화첩, 회화 이론서, 그리고 후대의 문인화가들을 중심으로 서술되어 왔다. 그러나 미술감평의 역사는 전문 화가의 저술에만 존재하는 것이 아니다. 그림과 글씨를 일상적인 지적 활동의 일부로 접했던 문인 학자들의 글에도 중요한 미술비평의 흔적이 남아 있다. 간이 최립은 바로 이러한 범주에 속한다.

최립은 전문 화가가 아니었지만, 『간이집』에는 서예 작품, 산수화, 묵죽화, 기념화, 화첩 및 고화 등에 대한 글이 상당수 남아 있다. 현전하는 『간이집』은 1631년에 처음 간행되었으며, 모두 9권으로 구성되어 있다. 현재 전하는 『한국문집총간』 계열의 판본 역시 이러한 초기 문헌 전통에 기반한다(Choi, 1996).

이러한 자료는 최립의 한국 문화사적 위치를 새롭게 검토하게 한다. 중요한 질문은 그를 현대적 의미에서 “전문 미술이론가”라고 부를 수 있는가가 아니다. 그러한 표현은 지나치게 확대된 해석일 수 있다. 보다 생산적인 질문은 다음과 같다.

그의 서화 관련 글을 함께 읽을 때, 어떠한 미술감평의 원칙이 드러나는가?

이 질문은 매우 중요하다. 조선시대 시각문화는 문학문화와 깊이 연결되어 있었기 때문이다. 문인 관료는 동시에 작가, 수장가, 후원자, 감상자, 서예가, 그리고 작품의 해석자가 될 수 있었다. 최근 연구 역시 조선시대 문인들이 회화의 제작·수집·후원에 중요한 역할을 담당했음을 보여주며, “문인화”라는 개념 자체도 처음부터 완성된 범주로 존재한 것이 아니라 역사적으로 형성되었음을 밝히고 있다(Park, 2018; Yungman, 2012).

따라서 최립의 글은 16세기와 17세기 초의 한국 지식인이 실제로 어떻게 서화를 바라보고 판단했는지를 보여주는 귀중한 자료이다. 특히 그의 글은 하나의 체계적인 화론으로 정리되어 있지 않다. 오히려 제발(題跋), 식(識), 서문, 시문 등에 분산되어 있다. 바로 이러한 특성 때문에 그의 글은 미술감평을 고정된 이론이라기보다 주의 깊은 읽기의 실천으로 보여준다.

2. 역사적·지적 배경

최립은 한국 역사에서 매우 격동적인 시기에 살았다. 1539년에 태어나 1612년에 세상을 떠난 그는 16세기 후반의 지적 변화와 임진왜란, 그리고 전쟁 이후의 정치·문화적 재건을 모두 경험하였다. 그는 뛰어난 문장가로 이름을 떨쳤으며, 국가의 공식 문서와 외교 문서를 작성해야 하는 직책에서도 활동하였다. 이러한 문학적·외교적 명성이 그의 서화 관련 활동을 상대적으로 가려 왔다.

그러나 최립이 활동했던 지적 환경에서는 문학, 서예, 회화, 역사학습, 도덕적 수양이 긴밀하게 연결되어 있었다. 동아시아 문인문화에서 시각예술은 독립된 영역으로 존재하는 경우가 드물었다. 그림에는 제화시와 발문이 붙었고, 시는 산수화를 해석했으며, 서예는 글쓴이의 마음과 인격을 표현하는 수단이 되었다. 화첩은 여러 문인의 인간관계와 학문적 교류를 보존하는 문화적 공간이 되기도 했다.

조선의 문인들은 사혁(謝赫)의 기운생동(氣韻生動)을 비롯하여 중국의 다양한 화론과 서예론을 계승하였다. 그러나 이러한 개념을 단순히 그대로 수입한 것은 아니었다. 조선의 문인들은 자신들의 사회적·윤리적·문학적 상황에 맞추어 이를 재해석하였다. 조선 문인화의 역사에 관한 연구 역시 “문인화”라는 개념과 용어가 시대에 따라 변화했음을 강조한다(Park, 2018).

최립의 서화 관련 글은 이러한 지적 환경 속에 위치한다. 특히 그는 정형화된 이론을 반복하기보다 실제 작품을 바라보면서 판단하고 질문한다. 바로 이 점에서 그의 글은 조선시대 서화감평의 실제 모습을 이해하는 데 중요한 자료가 된다.

3. 최립 서화감평의 다섯 가지 독특한 원리

3.1 서예를 통해 인격을 읽다

최립의 서화미학을 가장 분명하게 보여주는 글 가운데 하나가 「퇴계서소병지(退溪書小屛識)」, 즉 “퇴계 선생의 글씨를 쓴 작은 병풍에 대한 글”이다.

그는 퇴계 이황의 서예를 논하면서 서예를 “심화(心畫)”, 즉 마음의 그림이라고 표현한다. 글씨의 시각적 형태를 통해 그 글씨를 쓴 사람의 정신과 인격을 짐작할 수 있다는 의미이다. 그는 퇴계의 서체를 분석하면서 초서에서도 품격과 힘, 절제와 규율이 유지되고 있음을 강조한다(Choi, 1996, Vol. 3).

여기에서 최립의 첫 번째 서화감평 원칙이 드러난다.

서예의 형태는 그 글씨를 만든 사람의 수양된 마음을 보여주는 흔적이다.

물론 이것을 “아름다운 글씨는 언제나 훌륭한 인격에서 나온다”는 단순한 등식으로 이해해서는 안 된다. 최립은 글씨의 형식적 특성, 즉 안정성, 절제, 힘, 필선의 규율 등을 오랜 수양의 흔적으로 읽는다.

따라서 그의 서예비평은 단순한 필법 평가를 넘어선다. 선의 질감은 단순한 시각적 속성이 아니라 지적·윤리적 수양이 표현된 결과가 된다.

현대적인 표현으로 바꾸면 최립의 방식은 일종의 ‘체화된 미학적 해석(embodied aesthetic interpretation)’이라고 볼 수 있다. 붓은 신체의 움직임을 기록하지만, 그 움직임은 훈련, 습관, 의도, 기질과 수양에 의해 형성된다. 따라서 최립의 서예비평은 보이는 형식에서 보이지 않는 인격으로 이동한다.

4. 회화를 이미지와 시의 대화로 이해하다

두 번째 원리는 최립의 「이아계제시산수도지(李鵝溪題詩山水圖識)」, 즉 “이아계가 시를 써 넣은 산수화에 대한 글”에서 잘 드러난다.

여기에서 최립은 회화와 시의 관계를 매우 인상적인 표현으로 설명한다.

“그림은 소리 없는 시이고, 시는 소리가 있는 그림이다.”

(Choi, 1996, Vol. 3)

최립에게 회화와 시는 경쟁하는 예술이 아니다. 서로를 완성하는 관계이다. 산수화는 시가 언어로 전달하는 것을 시각적으로 표현하며, 시는 그림이 환기하지만 직접적으로 말할 수 없는 것을 언어로 표현한다.

이러한 관점은 한국 문인문화의 특징을 이해하는 데 매우 중요하다. 산수화는 단순히 산과 강의 모습을 재현하는 이미지가 아니다. 그것은 풍경, 기억, 감정, 시, 철학적 성찰이 만나는 지적 공간이다.

최립의 관점은 현대의 용어로 말하면 일종의 ‘다중양식적 미학(multimodal aesthetics)’이라고 할 수 있다. 그는 시각적 대상을 그것을 둘러싼 문학적·문화적 맥락과 분리하지 않는다.

이 관점은 디지털 예술의 중요한 문제와도 연결된다. AI가 생성한 이미지는 흔히 독립적인 시각적 결과물로 평가된다. 그러나 그 이미지 뒤에는 프롬프트, 대화 과정, 수정 과정, 학습 데이터, 문화적 참조, 인간의 의도가 존재한다. 최립의 관점에서 보면 이미지 자체만으로는 완전한 작품의 의미를 설명하기 어렵다.

5. 형태적 유사성과 예술적 생명력을 구별하다

최립의 글에는 단순히 대상을 닮게 그리는 것과 예술적으로 대상의 본질을 전달하는 것은 다르다는 인식도 나타난다.

그는 금계공이 소장한 산수화에 대한 글에서 산수의 즐거움이 인간의 경험 속에 깊이 자리하고 있음을 설명한다. 사람은 특정한 산수의 형상에 반복적으로 끌리며, 회화는 실제로 그 장소에 가서 경험하지 않고도 그 경험의 일부를 보존할 수 있다(Choi, 1996, Vol. 3).

여기에서 세 번째 원리가 도출된다.

좋은 예술은 대상을 단순히 재현하는 것이 아니라 경험을 재구성한다.

따라서 최립의 미술감평은 사실적인 재현만으로 작품의 성공 여부를 판단하지 않는다. 산수화가 성공하려면 관람자가 그 안에서 풍경과 관련된 경험, 분위기, 기억 또는 정신적 울림을 회복할 수 있어야 한다.

이것은 생성형 AI의 미술을 평가하는 데 특히 중요한 기준이다.

AI는 몇 초 만에 매우 사실적인 산수화를 만들 수 있다. 그러나 시각적으로 정확한 산의 이미지와 고향에 대한 기억, 유배의 경험, 특정 산천에 대한 문화적 의미를 전달하는 작품은 동일하지 않다.

최립의 관점은 AI 예술에 다음과 같은 질문을 던지게 한다.

“이 작품은 단지 그럴듯하게 보이는가, 아니면 의미 있는 인간 경험을 전달하는가?”

6. 고증과 의심을 통한 진위 판단

최립의 서화감평에서 가장 현대적인 특징 가운데 하나는 「이소윤소유고화지(李少尹所有古畫識)」, 즉 “이소윤이 소장한 고화에 대한 글”에서 발견된다.

전쟁으로 혼란스러운 상황에서 한 고화를 입수한 소장자는 그 그림이 유명한 조선 초기 화가 안견의 작품일 가능성을 의심하였다. 최립은 이를 무조건 받아들이지 않았다. 자신이 전문 화가는 아니라고 밝히면서도 안견과 관련된 진작을 본 경험을 토대로 몇몇 형식적 특징을 비교하였다. 동시에 그림의 훼손 상태, 전승 경위, 의복의 형태, 산수 표현, 시대적 양식과 연대 등을 검토하면서 작가 귀속에 대한 불확실성을 인정하였다(Choi, 1996, Vol. 3).

이는 ‘비판적 감식(critical connoisseurship)’의 중요한 사례이다.

최립은 작가 귀속을 단순한 직관에 맡기지 않고 다음과 같은 요소를 비교한다.

• 양식적 특징

• 역사적 연대

• 작품의 보존 상태

• 전승 경위

• 도상적 특징

• 시대적 관습

더 중요한 것은 그가 자신의 판단에 불확실성이 있음을 인정했다는 점이다.

즉,

전문가란 모든 것을 확신하는 사람이 아니라 증거가 부족한 곳에서 확신과 추측을 구별할 줄 아는 사람이다.

이 원리는 AI 기반 미술품 감정에도 직접 적용할 수 있다. 현대 컴퓨터비전 시스템은 붓질, 구성, 안료, 서명, 양식적 특징을 대규모로 비교할 수 있다. 그러나 알고리즘의 높은 확률값이 곧 역사적 진실을 의미하는 것은 아니다. 작품의 소장 경위, 재료, 복원 기록, 역사적 맥락 역시 중요하다.

최립의 태도는 따라서 초기 형태의 증거 기반 미술품 감정(evidence-based authentication) 모델로 해석할 수 있다.

7. 서화를 기억과 역사적 경험의 그릇으로 이해하다

다섯 번째 원리는 최립의 서화 관련 글 전반에서 나타난다. 작품은 인간관계와 기억을 보존한다.

그의 「하대이묵죽지(河大而墨竹識)」에서는 세상을 떠난 화가 하대이의 묵죽에 대한 평가가 단순한 예술적 찬탄에 그치지 않는다. 작가의 죽음으로 인해 그림은 한 인간과의 관계를 기억하게 하는 유물이 된다. 작품은 사라진 인간세계의 물질적 흔적이 된다(Choi, 1996, Vol. 3).

또한 최립은 기념화와 화첩에 관한 글에서 그림이 사람과 사건을 시각적으로 보존하는 역할을 강조한다. 시간이 흐른 뒤 사람들은 직접 만날 수 없지만, 그림을 통해 과거의 얼굴과 관계를 다시 마주할 수 있다.

따라서 다섯 번째 원리는 다음과 같이 정리할 수 있다.

예술의 가치는 인간의 기억을 시간 너머로 전달할 때 더욱 커진다.

이러한 관점에서 작품은 단순한 미적 상품이 아니다. 그것은 문화적 기억의 매체이다.

오늘날 디지털 시대에는 이러한 원리가 더욱 중요하다. 이미지는 무한히 생성될 수 있지만 동시에 무한히 쉽게 소비되고 버려질 수도 있다. 최립은 우리에게 문화적 가치란 단순히 이미지의 존재 여부가 아니라 후대 사람들이 무엇을 기억할 수 있게 해주는가에 의해 결정될 수 있음을 일깨운다.

8. 한국 미술사에서 최립의 서화감평이 갖는 다섯 가지 공헌

8.1 도덕적 수양과 시각적 판단의 결합

최립의 퇴계 서예 해석은 예술적 형식과 학문적·도덕적 수양을 연결하는 조선 문인문화의 특징을 잘 보여준다. 서예는 단순한 필기법이 아니라 수양된 인격을 드러내는 시각적 표현이었다.

이를 최립 개인이 창안한 독창적인 이론이라고 단정할 수는 없다. 오히려 그의 중요성은 이러한 원리가 실제 서화감평에서 어떻게 작동했는지를 보여주는 구체적인 사례를 제공한다는 데 있다.

8.2 문인 지식인의 감식가적 역할 강화

최립은 전문 화가가 아니었음에도 문학, 역사, 윤리, 기억, 시각적 관찰을 결합하여 그림을 평가하였다.

이는 조선의 서화문화에서 학자와 문인이 감상자·수장가·후원자·해석자로 중요한 역할을 했음을 보여준다. 조선 전기 문인화의 수집과 글쓰기 문화에 관한 연구 역시 문인들의 이러한 역할을 확인해 준다(Yungman, 2012).

8.3 시·서·화의 통합적 예술관 강화

“그림은 소리 없는 시”라는 최립의 표현은 동아시아 문인예술의 통합적 미학을 압축적으로 보여준다.

그림과 시, 서예는 서로 독립된 예술이 아니라 하나의 지적·정신적 세계를 구성하는 상호보완적 표현이었다.

따라서 최립의 글은 후대 한국 문인화의 지적 기반을 연구하는 데 중요한 자료가 된다.

8.4 미술감평에 역사적 의식을 도입

최립의 고화 감평은 작가 귀속을 위해 역사적 판단이 필요함을 보여준다. 작품이 어느 시대에 제작될 수 있는지, 특정 시대의 양식과 어떤 관계가 있는지, 물질적 증거가 제시된 귀속과 양립하는지를 물어야 한다.

이러한 역사적 의식은 후대 조선 회화론에서 발전한 다양한 화풍과 계보에 대한 구분과도 연결된다. 조선시대 문인들이 회화를 바라보는 관점이 시대에 따라 점차 세분화되었다는 연구 역시 이러한 발전을 보여준다(Jang, 2014).

8.5 서화를 문화적 기억으로 보존

최립의 제발과 기록은 예술작품에 대한 글 자체가 작품의 보존 과정에서 중요한 역할을 할 수 있음을 보여준다.

그림에 기록이 더해지면 작품은 시각적 이미지를 넘어 문학적·역사적·전기적 정보를 함께 담은 복합적인 문화유산이 된다.

이 원리는 오늘날에도 매우 중요하다. 디지털 복제는 이미지를 보존할 수 있지만 작품의 전승 과정과 맥락을 분리할 위험도 있다. 최립의 관점에서 볼 때 보존은 단순히 픽셀을 저장하는 것이 아니라 메타데이터, 전기, 소장 경위, 해석, 문화적 맥락을 함께 보존하는 것이어야 한다.

9. 최립과 AI 시대의 창의성 문제

생성형 AI의 등장으로 예술 창작의 의미가 크게 변화하고 있다. 텍스트-이미지 생성 시스템은 자연어 프롬프트만으로 상당히 정교한 이미지를 만들어 낸다.

수백만 개의 작품을 대상으로 한 최근 연구는 생성형 AI가 인간의 창작 생산성을 높이고 가능한 아이디어의 탐색 범위를 넓힐 수 있음을 보여준다. 동시에 창작자들이 유사한 AI 생성 결과에 수렴하면서 평균적인 참신성이 감소할 가능성도 제시한다(Zhou & Lee, 2024).

여기에는 중요한 역설이 존재한다.

AI는 과거 어떤 기술보다 더 많은 이미지를 만들 수 있지만, 이미지의 풍부함이 곧 문화적 의미의 풍부함을 의미하지는 않는다.

최립의 철학은 이 문제에 대한 중요한 답을 제공한다. 그는 생산과 의미를 구별한다.

기계는 이미지를 생산할 수 있다.

그러나 인간은 여전히 다음을 결정해야 한다.

• 왜 이 이미지를 만드는가?

• 왜 이 주제를 선택하는가?

• 왜 이 양식을 사용하는가?

• 어떤 경험을 표현하는가?

• 어떤 전통과 대화하는가?

• 무엇을 기억하게 하는가?

• 무엇을 보존할 가치가 있는가?

• 무엇을 거부해야 하는가?

최근 연구 역시 인간과 AI의 관계를 단순히 “AI 대 인간”의 경쟁구도로 보는 것보다 인간의 판단과 기계의 생성이 상호작용하는 협업적 모델로 전환할 필요성을 강조한다(Medeiros & Cropley, 2025).

따라서 최립의 서화감평은 AI 시대의 비판적 미적 판단을 위한 모델로 재구성될 수 있다.

10. 인간 감식에서 AI 증강 감식으로

AI는 미술감평을 네 가지 측면에서 크게 향상시킬 수 있다.

첫째, 대규모 시각적 비교가 가능하다. AI는 하나의 작품을 수천, 수만 개의 작품과 비교하는 데 인간보다 훨씬 빠르다.

둘째, 전승 및 소장 경위 연구를 지원할 수 있다. 인명, 연대, 소장처, 경매 기록, 비문, 디지털 문헌을 연결하여 작품의 계보를 추적할 수 있다.

셋째, 멀티모달 AI는 이미지와 텍스트를 동시에 분석할 수 있다. 그림, 제발, 시, 작가의 생애, 역사적 기록을 하나의 분석 체계 안에서 연결할 수 있다.

넷째, AI는 인간이 쉽게 발견하지 못하는 시각적 패턴을 찾아낼 수 있다.

그러나 최립의 철학은 AI가 판단의 보조자이지 최종 심판자가 되어서는 안 된다는 원칙을 제시한다.

최근 연구도 생성형 AI 시대에 인간의 주체성이 여전히 중요함을 강조한다. 인간의 판단과 AI의 능력을 상호보완적으로 결합할 때 창의성과 혁신을 강화할 수 있지만, AI의 결과를 어떻게 해석하고 어떤 의미를 부여할 것인지는 여전히 인간의 주체적 판단에 달려 있다(Baptista et al., 2025).

따라서 미래의 미술감식가는 순수한 인간도, 순수한 알고리즘도 아닐 가능성이 크다.

그는 ‘AI로 증강된 인간 감식가(AI-augmented human connoisseur)’가 될 것이다.

기계는 규모를 제공한다.

학자는 맥락을 제공한다.

알고리즘은 패턴을 발견한다.

역사가는 증거를 평가한다.

AI는 가능성을 생성한다.

인간은 그 가능성 가운데 어떤 것이 문화적 의미를 가질 것인지 결정한다.

11. 진정성: 생성형 AI 시대에 최립이 주는 가장 중요한 교훈

최립과 현대 AI 예술을 연결하는 가장 강력한 주제는 ‘진정성(authenticity)’이다.

AI 보조 시각예술에 관한 연구는 관람자들이 AI가 생성하거나 AI의 도움을 받아 만들어진 작품을 혁신적으로 평가할 수 있는 동시에, 인간이 직접 많은 노동을 투입한 작품에 비해 진정성이나 노동집약성을 낮게 평가할 가능성도 있음을 보여준다. 또한 인식된 진정성이 작품의 가치평가에 영향을 미친다는 연구 결과도 제시된다(Co-creating Art with Generative Artificial Intelligence, 2024).

이 문제는 최립의 미술감평과 놀랍도록 유사하다.

최립에게 작품의 가치는 표면적 형태만으로 결정되지 않는다. 작품 뒤에 있는 역사가 중요하다.

누가 만들었는가?

어떤 상황에서 만들었는가?

어떻게 전승되었는가?

누가 보존했는가?

그 작품은 창작자의 삶에 대해 무엇을 말하는가?

AI 예술에도 동일한 질문을 던질 필요가 있다.

미래의 미술관에서는 AI 작품에 다음과 같은 제작 정보가 표시될 수도 있다.

인간 창작자 → 개념 → 프롬프트 → AI 모델 → 생성 과정 → 선택 → 수정 → 최종 작품 → 전승 및 소장 정보

이러한 투명성은 AI 예술을 불투명한 결과물이 아니라 기록된 창작 과정으로 변화시킬 것이다.

바로 이 지점에서 최립의 철학은 단순한 역사적 관심사를 넘어선다.

그것은 AI 예술의 출처와 진정성을 위한 윤리적 모델이 될 수 있다.

12. AI 예술을 위한 ‘최립 인간중심 프레임워크’

앞서 재구성한 최립의 다섯 가지 원리를 토대로 AI 시대의 미술감평을 위한 새로운 프레임워크를 다음과 같이 제안할 수 있다.

인격(Character)

작품을 만든 인간적 주체는 누구이며, 어떤 가치와 의도가 창작을 형성했는가?

기운(Vitality)

작품은 기술적 정확성과 시각적 새로움을 넘어 어떤 생명력과 경험을 전달하는가?

맥락(Context)

작품은 어떤 역사적·문화적·문학적·예술적 전통과 대화하는가?

증거(Evidence)

작품의 출처, 저자성, 제작 과정, 독창성에 관한 주장을 독립적으로 검증할 수 있는가?

기억(Memory)

작품은 어떤 인간적 경험, 관계, 사건 또는 문화적 의미를 보존하는가?

이 프레임워크는 AI를 거부하지 않는다.

오히려 AI를 적극적으로 활용하면서도 계산 능력과 문화적 판단을 동일시하지 않는다.

최근 연구 역시 인간과 AI의 공동창작이 예술적 가능성을 확대할 수 있지만, AI가 창작 과정에 깊이 개입할수록 주체성과 저자성의 문제가 더욱 복잡해진다는 점을 강조한다(Bomba & De Angeli, 2025; Rafner et al., 2025).

따라서 최립적 관점에서 인간은 기술적 증강의 중심에 위치한다.

13. 결론: 붓에서 알고리즘으로

간이 최립의 서화 관련 글은 아름다운 작품에 대한 단순한 감상을 훨씬 넘어선다. 그의 감평은 문화 해석의 한 형태였다.

그는 서예에서 인격을 보았다.

그는 그림에서 시를 들었다.

그는 산수에서 경험을 회복했다.

그는 고화에서 작가 귀속을 의심하고 검증했다.

그는 보존된 이미지에서 사라진 인간을 기억했다.

이 다섯 가지는 하나의 통합된 미학으로 정리될 수 있다.

인격, 대화, 경험, 증거, 기억.

최립을 한국 미술비평의 유일한 창시자나 현대적 의미의 체계적인 미술이론가로 규정해서는 안 된다. 그러한 주장은 역사적으로 지나친 확대해석이 될 수 있다. 오히려 그의 중요성은 더 미묘하고 흥미롭다. 그의 여러 산문과 제발은 문학, 윤리, 역사, 우정, 기억, 시각적 관찰이 교차하는 지점에서 한 조선 지식인이 어떻게 서화를 감상하고 평가했는지를 보여준다.

이러한 통찰은 생성형 AI 시대에 더욱 강력한 의미를 갖는다.

AI는 이제 수천 장의 이미지를 인간 화가가 한 장을 스케치하는 데 걸리는 시간보다 훨씬 빠르게 만들어 낼 수 있다. AI는 화풍을 모방하고, 역사적 모습을 재구성하며, 산수화를 만들고, 서예의 형태를 시뮬레이션할 수 있다. 또한 학자들이 방대한 시각자료를 비교하고 분석하는 것을 도울 수 있다.

그러나 풍요로움은 새로운 문제를 만든다.

이미지가 거의 공짜가 될수록 의미는 희소해진다.

모방이 쉬워질수록 진정성은 확인하기 어려워진다.

생성이 자동화될수록 인간의 판단은 오히려 더욱 중요해진다.

최립의 철학은 이러한 문제에 대한 하나의 답을 제공한다. AI 시대의 예술은 단순히 이미지가 아름다운지, 사실적인지, 혁신적인지, 기술적으로 정교한지만으로 평가해서는 안 된다. 우리는 동시에 그 작품이 의미 있는 인간의 의도를 표현하는지, 그 출처가 신뢰할 만한지, 문화적 맥락이 이해되고 있는지, 창작 과정이 투명한지, 그리고 기억할 가치가 있는 무언가를 인류에게 남기는지를 물어야 한다.

최근 연구 역시 AI와 인간의 가장 생산적인 관계가 대체가 아니라 협업일 가능성을 보여준다. 생성형 AI는 생산성을 높이고 아이디어의 영역을 확대할 수 있지만, 인간의 발상, 선택, 해석, 주체성은 여전히 결정적인 역할을 한다(Zhou & Lee, 2024; Medeiros & Cropley, 2025).

따라서 최립의 철학은 21세기를 위해 다음과 같이 다시 표현할 수 있다.

알고리즘은 이미지를 생성할 수 있지만, 그 이미지가 무엇을 의미하는지를 결정하는 것은 여전히 인간이다.

붓은 알고리즘이 되었다.

작업실은 인간-AI 인터페이스가 되었다.

화첩은 디지털 아카이브가 되었다.

그러나 근본적인 질문은 변하지 않았다.

“이 작품은 그것을 만들고, 선택하고, 보존하고, 해석한 인간에 대해 무엇을 말해 주는가?”

그런 의미에서 최립의 서화감평 철학은 낡은 것이 아니다.

오히려 AI 시대에 새롭게 필요한 철학이 되었다.

참고문헌

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2026년 8월 16일

{솔티}

Prof. Dr. Young Choi (Editor in Chief) — Regent University

Young B. Choi is a Professor in the Department of Engineering & Computer Science at Regent University. He published 38 books with ‘Selected Readings in Cybersecurity’ (2018) (over 800 copies archived globally at university/college libraries around the world) and ‘Cybersecurity Applications and Artificial Intelligence’ (2023) available in seven major world languages. He proposed the world’s first global and universal telecommunications “Service Order Handling (SOH)” Model (T-SOH Model) (1995) with Dr. Adrian Tang. With this innovative research work, he received the IEEE NOMS ’96 Best Paper Award and became the first recipient of the Outstanding Contribution Award of the TeleManagement Forum in 1998. His research areas include Natural Language Processing-focused AI, AI-applied cybersecurity, network and telecom service management, and Korean studies on Gani Choi Rip’s Jeonggwan (靜觀: Quiet Contemplation) philosophy and Shilhak ( 實學: Practical Learning).

© K-GSP (K-Global Scholars and Professionals) Forum. All rights reserved. August 2026.

Choi, Y. B. (2026, August 16). Gani Choi Rip’s Philosophy of Calligraphy and Painting Connoisseurship: Korean Art Criticism and Its Significance in the Age of Generative AI. K-GSP.